Canción del Día: Boogie Shoes

Como la mayoría de las canciones creadas por KC and the Sunshine Band, está compuesta exclusivamente de ritmo y swing. No busquen demasiado en la letra. Se refiere solamente al disfrute de ir de fiesta y vestirse a la moda, un espíritu que era la marca de los 70’s y la era de la música disco.

Quizás por esa misma razón, fue una de las pocas canciones no compuesta por los Bee Gees que apareció en la película Saturday Night Fever. Una canción de fiesta por antonomasia, encajaba perfectamente en la atmósfera de la escena escogida para ella, y también con el swing de Tony Manero, el personaje encarnado por John Travolta. No se necesitaba nada más. La canción sonaba tan suavemente como se suponía que lo hiciera.

Harry Wayne Casey (KC), nacido y criado en Hialeah, no era lo que se dice un gran cantante, pero supo rodearse de buenos músicos como Robert Finch y Mr. Eugene Timmoms, hoy en día profesor de banda de Robert Morgan Educational Center High School en Miami.

Eran locales, eran tipos cool, así que contaban con lo necesario. Un colorido vestuario, una manera dinámica de bailar, y unas preciosas cantantes de coro.

La música de KC and the Sunshine Band ha sido usada en la banda sonora de más de 200 películas, y han sido llamados La Revolución del Baile, debido a la forma en que dominaron la escena bailable de su época.  Su música era una mezcla de R&B, disco y funk.

¿Quién mejor que el legendario Dick Clark para presentarlos? Sólo disfruten y, como diría años después el propio Travolta, al igual que KC ahora, con unas cuantas libras de más: Relájense (Be Cool), Gracias a Dios, es Viernes.

http://www.youtube.com/watch?v=j1AzQQrZfmc&playnext=1&list=PL3AED689803B54193&feature=results_video

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Canción del Día: Verano del 42

A pesar de haber compuesto melodías antológicas como las de un clásico como Los Paraguas de Cherburgo, el francés Michel Legrand era prácticamente un desconocido para el gran público de los Estados Unidos hasta que compuso la banda sonora de este filme, la cual le valió el Oscar  a la mejor partitura en 1971.

El Verano del 42  posee un discurso dramático que transcurre de forma natural, como esa imagen de “un espejo que viaja a lo largo de un camino”, empleada por Balzac para describir lo que debe ser una novela realista.

La película está completamente basada en hechos reales, la experiencia del paso de la adolescencia a la adultez del dramaturgo Herman Raucher, a través de su romance con una mujer mayor que él cuyo esposo se encontraba sirviendo en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. 

Tras el éxito del filme Raucher logró establecer contacto con la protagonista real de la historia, y conoció que ella albergaba un sentimiento de culpa pensando que lo había traumatizado al tener relaciones con él. Aunque se sintió aliviada de saber que no era así, decidió no encontrarse nuevamente con Raucher porque era mejor no revivir el pasado.

Esto se refleja de forma inigualable en la pieza tema del filme, a tal punto que ha tenido versiones cantadas por leyendas como Andy Williams, Frank Sinatra, Tony Bennett y Barbra Streisand, entre otros. La melodía básicamente repite un mismo coro interpretado por diferentes instrumentos en distintos tonos, lo que le brinda un sentido de continuidad temporal que también caracteriza a la historia.

El Verano Sabe, fue el titulo escogido por Legrand para esta pieza, con toda razón y justeza. De una forma u otra, en cada verano siempre es posible encontrar espacio para la ternura.

http://www.youtube.com/watch?v=cFZcXyIw78k&feature=related

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Canción del Día: Fire and Rain

¿Quién no ha tenido que recuperarse de algo, o sentido la necesidad de resurgir de las muchas altas y bajas de la vida? Esta canción recrea este eterno dilema existencial, en parte en forma de interrogante filosófica y en parte como un himno religioso. Escrita por James Taylor mientras se recuperaba de una adicción a las drogas, está inspirada en una persona que conoció en la clínica de rehabilitación, nombrada Suzanne, quien no pudo soportar más y cometió suicidio.

Existe una gran polémica asociada con esta canción, basada en la línea que dice: “Siempre hay tiempo en la línea telefónica para hablar de las cosas por venir, los dulces sueños y las máquinas voladoras en pedazos sobre la tierra”. Una gran cantidad de cronistas afirman que esto es una referencia a una banda de rock a la cual Taylor solía pertenecer, llamada Las Máquinas Voladoras, la cual se había desintegrado justo antes de que él entrara en rehabilitación.

Pero eso no explica la referencia al teléfono y las cosas por venir, ni tampoco la ruptura en ritmo y tono en esa parte de la canción. Un documental de TV difunde la versión de que cuando Taylor se encontraba en el proceso de componer esta canción, tuvo una visión de pedazos de un avión en llamas dispersados sobre un campo de hierba. De acuerdo al documental, minutos más tarde, un amigo le llamó para contarle acerca del accidente de un avión Lockheed en Texas.

Con visión o sin ella, la canción se convirtió en la melodía distintiva de James Taylor, y propulsó su carrera como cantante y compositor al mismo tiempo, una combinación muy rara en aquel entonces. Se convirtió además en un clásico para toda una generación, debido a su mensaje de soportar cualquier circunstancia adversa en pos de un objetivo digno.

¿Quién no ha visto Fuego y Lluvia, días soleados y tiempos de soledad? Aquellos que no lo han hecho, simplemente no han vivido. Yo lo he visto, y eso es precisamente lo que me ha mantenido con la fuerza para seguir adelante a través de los años. Y no lo haré ni lo hubiera hecho de ninguna otra manera.

http://www.youtube.com/watch?v=C3uaXCJcRrE

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song of the day: Fire and Rain

Who hasn’t had to recover from something, felt the need to rebound from the many ups and downs in life? This song recreates this eternal life dilemma, partly as a philosophical question and partly as a religious hymn. Written by James Taylor while recovering from drug addition, it was inspired by a person he knew at the rehab clinic, named Suzanne, who couldn’t  stand it anymore and committed suicide.

There is a huge polemic about this song, based on the line “There’s always some time on the telephone line to talk about things to come, sweet dreams and flying machines and pieces on the ground”. A lot of chroniclers say that this is a reference to a band that Taylor used to belong to, The Flying Machines, which was disbanded just before he entered rehab.

But that doesn’t explain the reference to the telephone and the things to come, not also the break of rhythm and tone in that part of the song.  A version on a TV documentary mentions that when Taylor was in the process of composing this song, he had a vision of pieces of a plane in flames dispersed over a field of grass. According to the documentary, minutes later, a friend called to tell him about a Lockheed plane crash in Texas.

Vision or not, the song became the signature melody for James Taylor, and propelled his career as singer and songwriter at the same time, a very rare combination on those times. It also became a classic for a whole generation, due to its message of enduring any difficult circumstances in search of a worthy goal.

Who hasn’t seen Fire and Rain, sunny days and lonely times? Those who haven’t, they simply have not lived. I had, and that’s precisely what has kept me going on through the years. I won’t make it any other way.

http://www.youtube.com/watch?v=C3uaXCJcRrE

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Canción del Día: Te recuerdo, Amanda

La mejor versión que se ha hecho de esta canción, una pieza casi obligada de los rockeros y trovadores en español. A pesar de contar una tragedia, no se centra en la muerte del ser amado, sino que lo aborda de una manera positiva, dejando entrever lo sucedido por medio de la visión de Amanda caminando bajo la lluvia, iluminándolo todo. Una imagen ya explorada por Byron en She walks in beauty (Ella va en su belleza), o los Beatles con Something in the way she moves (Algoen la manera en que ella se mueve).

La idea de la belleza en movimiento es utilizada para centrarse en la continuidad más allá de lo mundano, y no detenerse en la fealdad de lo trágico. En este sentido es una canción trascendente, porque presenta lo importante de guardar lo hermoso de cualquier relación, por encima de lo que pueda ser el resultado final, incluso ante la muerte.

Es una canción sin lugar a dudas hermosa, y esta interpretación de Presuntos Implicados junto a Joan Manuel Serrat enriquece el original de Victor Jara con un acompañamiento musical impecable que sienta el tono melancólico de la canción,  por medio de reforzar el maravilloso contraste entre las voces de Soledad Giménez y Serrat.

Ni siquiera necesitaron 5 minutos para florecer. Lo consiguen en tres y medio.

http://www.youtube.com/watch?v=yr0Pwdve_N8

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Canción del Día: Visión de Amor

Ésta es una de las más increíbles exhibiciones de desempeño vocal que se hayan registrado. Ganó un premio Grammy para la Mejor Artista Pop Femenina en 1991, siendo ese año la primera vez que una artista novata obtenía el galardón. Con ese título, Mariah Carey se integró en compañía de luminarias como Ella Fitzgerald, Barbra Streisand, Whitney Houston, Sarah Mc Lahlan y Norah Jones.

De acuerdo, también está en esa lista Lady Gaga pero, como dijo el famoso Joe “Bocaza” Brown en esa antológica última línea del filme de Billy Wilder Algunos Prefieren Quemarse: “Nadie es perfecto”. Ni siquiera los Grammies, por supuesto. También ha estado Enrique Iglesias en los Grammies.

La canción, compuesta por Mariah Carey misma, se canta en un tempo lento, llegando a un crescendo mientrasella cuenta la historia de cómo ha imaginado el amor, y cómo se convirtió en realidad. Es una canción acerca del triunfo de la esperanza, y la idea de nunca desistir de tus sueños.

Introdujo la manera particular de frasear que caracteriza el estilo de Mariah, tan influyente que se ha convertido en un patrón a seguir por al menos uno de los contendientes en cada una de las ediciones de American Idol. Este estilo ha sido alabado por publicaciones especializadas como Rolling Stone o The New Yorker.

Sí, Mariah Carey no ha sido tampoco lo que se llama perfecta. Ahí están esos romances locos con narcisistas como Luis Miguel, y la verdad es que tampoco ha sido capaz de repetir esa increíble actuación.

Pero, como dice el viejo refrán: “Nunca tendrás una segunda oportunidad de hacer una buena primera impresión”. Eso fue suficiente para ti, Mariah, y para mí también. Yo tengo mi propia visión del amor, pero no voy a contar esa historia aquí. Tiene muchas formas y propósitos, pero siempre está ahí, latente. Los que me conocen, saben que nunca me rindo.

http://www.youtube.com/watch?v=tov22NtCMC4

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Canción del Día: Shotgun

En su momento, ninguna fiesta podía estar complete sin esta canción, la cual tiene el privilegio de haber lanzado la carrera como cantante del saxofonista Junior Walker, debido a la fortuita circunstancia persona que se suponía iba a cantar la canción, no se apareció en la grabación.

Junior, quien había escrito la canción y no quería repetir la experiencia de Marvin Gaye buscando a James Jamerson por todos los bares de Detroit para que tocase en Let’s Get it On, decidió tomar el asunto en sus propias manos o, mejor dicho, sus cuerdas vocales, y es así como Motown ganó un nuevo cantante.

Al Zar de la Motown, Barry Gordy, quien produjo él mismo la canción, le gusto el tono semi falsete de la voz de Junior, y decidió seguir adelante con la grabación, que se convirtió en la pieza distintiva de Motown y por extensión, un ícono de la Belle Epoque de Motown. Ha sido usada para ilustrar esa era en películas como Malcolm X , dirigida por Spike Lee, y muchos documentales sobre los sesenta y la música soul.

Es una canción tocada todo el tiempo en una sola clave, pero tiene un ritmo contagioso que crea una atmósfera permanente de alegría y relajamiento que es el sello distintivo de la melodía. La introducción, imitando una descarga de escopeta, fue creada por James Jamerson pateando un amplificador, por lo cual no  puede ser imitado en las  actuaciones en vivo, donde es ejecutado por el baterista.

El Shotgun (escopeta) era uno de los tantos bailes de la época, y la canción hace referencia a otros dos cuando dice “baila el jerk, nena” (“do the Jerk, baby”), y también “te digo que es el momento de bailar el Twine” (“I said it’s Twine time”). Shotgun fue admitida en el Salón de la Fama de los Premios Grammy en el año 2002.

Eso es todo por ahora. Es Viernes, así que pónganse sus vestidos rojos, chicas, sus zapatos de tacón, y de paso díganle a sus novios que se compren una escopeta. Es la hora de las estrellas, nena.

http://www.youtube.com/watch?NR=1&v=T-9EkCdrvrs&feature=fvwp

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Canción del Día: You never can tell

Por obra y gracia del talento de Quentin Tarantino, esta burlesca escena de baile se convirtió en el episodio más recordado de una película llena de sexo, drogas y rock and roll, los tres elementos claves para cambiar el mundo, según la gran “filósofa” conocida como Janis Joplin.

Tarantino, un observador crítico de esa cultura underground, creó Pulp Fiction  a partir de esos tres ingredientes, pero agregó además el humor, la violencia y la muerte, otra trilogía que, desafortunadamente en los dos últimos casos, han generado más cambios en el mundo que los enunciados por la Joplin.

Esta escena los combina todos. Vincent Vega (John Travolta), un asesino a sueldo del imponente Marcellus Wallace, se ve obligado a participar en un concurso de twist por capricho de Mia (Uma Thurman), la esposa de Marcellus. La escena fue concebida por Tarantino con toda intención, aprovechando el mito de Travolta como bailador en Saturday Night Fever  para agregar un elemento surrealista que le brinda un carácter único a la escena. Para acentuar el absurdo de la situación, los presentadores del concurso son remedos de Marylin Monroe y Ed Sullivan.

La canción que bailan, You never can tell, de Chuck Berry, tiene ese tono allegro que encaja perfectamente en lo ridículo del momento, que se evidencia en los gestos de Travolta al bailar. En el caso de Uma Thurman, se notan muchos de los gestos que empleará después en Kill Bill. Así que la escena apunta a un viaje en dos tiempos contrapuestos: Travolta de bailador a asesino, y Uma de bailadora a asesina. Ces’t  la vie, say the old folks.

http://www.youtube.com/watch?v=_c9rz1JllS0

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Canción del Día: Su Boca

Una de esas canciones que de una forma u otra nos sirve a todos, hombre o mujer. Breve pero a la vez intensa, describe de forma singular el verdadero sentido del amor, el disfrute del otro o la otra.

Posee una carga sensual bien intensa, pero a la misma vez transita de forma elegante entre la frontera de lo poético y lo prohibido.

“Mi patria, mi bandera, mi segunda piel”. Un excelente retrato de lo que significa la comunión entre dos personas, y a la misma vez una advertencia de que, en realidad, todas las luchas y conceptos políticos carecen totalmente de sentido si a final de cuentas, no pueden tomar cuerpo en la simple felicidad del encuentro entre dos seres que se aman.

“Nada sabe tan dulce como su boca. . . Quizás alguna cosa que no se nombra”.

¿Hace falta decir más?

http://www.youtube.com/watch?v=2w7lChHBDzQ&feature=related

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Song of the day: Downeaster Alexa

It is very difficult to choose from all Billy Joel’s song. This singer and composer have a unique way to tell his stories, like in The Stranger, with its distinctive whistling as a preface and epilogue to round the whole argument of the song.

Or like Piano Man, based on personal experiences, which contains the best description I ever heard of the personal solitude of modern man and woman, when he says: “And the waitress is practicing politics/ as the businessmen slowly get stoned/. Yes, they’re sharing a drink they call loneliness/ But it’s better than drinkin’ alone”. Who hasn’t seen or experience that?

But we all know those classics, heard them time and time again. This one, based on real persons and events, seems to me like one of the best finalized works of Billy Joel. It tells the story of fishermen in the East Coast of the US, facing the end of their way of life due to the depletion of fish population in the waters and the turning of their fishermen’s town into vacation spots.

The song is intentionally performed in a very high tone the whole way, using an accordion, a violin and band drums to accentuate the idea of old time lifestyle, as well as the sort of Gaelic style wailing that serves as the chorus. The persons that appear in the video were real fishermen and also the captain. Same with the ship, which is the real downeaster piloted by this man. The name Alexa came from Billy Joel’s daughter, from his marriage to top model Christie Brinkley, subject of other of Joel’s classic, Uptown Girl.

This is a very dramatic song, about the turnarounds of life and the challenges people face to overcome them.

http://www.youtube.com/watch?v=LVlDSzbrH5M

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