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Archive for 21 septiembre 2012


Llamemósle “esotérico”. Es viernes, el fin de semana es ahora más que una promesa, así que debemos estar de buen humor. . . para todo. No rostros graves o juicios severos. Sólo seguir la corriente.

De eso se trata esta canción. Se puede calificar el tema que aborda de cualquier manera, pero en realidad es sólo un divertimento, una broma convertida en música. Por supuesto que este tema ha sido tratado muchas otras veces, especialmente en la música Rhythm and Blues, pero Clarence Carter le dio un giro cómico como un nunca antes.

Algo extraño viniendo de Carter, uno de los tres grandes (Stevie Wonder, Ray Charles) de esa pléyade de músicos ciegos negros del Sur de los Estados Unidos. Su más grande éxito Patchess, es una canción bien trsite y dramática acerca de un niño forzado a convertirse en el cabeza de su pobre familia tras la muerte de su padre.

La canción llegó al número 2en el hit parade del Reino Unido y el número 4 en los Estados Unidos en 1970. Se convirtió en la canción estandarte de este auténtico genio, quien ha generado 51 ¡álbums! A través de una carrera que alcanza ya ¡seis décadas! (60’s, 70’s, 80’s, 90’s, 2000’s, 2010’s).

Tras comenzar como un músico de soul a finales de los 60, sobrevivió la era disco, la era rap y la era hip hop era. El tiempo no ha sido rival para él. Esta canción, Strokin’ (Dando), fue un gran éxito en los 80, y resurgió en 1996 cuando fue usada en la hilarante  escena de Eddy Murphy en el filme The Nutty Professor (El Profesor Chiflado). Más allá del obvio contenido sexual, la canción es una tremenda carga de adrenalina, generada de su dinámico ritmo y el excepcional timbre de la voz de Carter. Un verdadero banquete para los sentidos.

La persona en este video no canta, pero nos entrega una maravillosa interpretación al simplemente hacer lo que la canción sugiere, divertirse y seguir la corriente. No podía haber escogido una mejor ocasión porque francamente hablando, si estás casado o casada, y no das, alguien va a dar por ti.

Escucha a Clarence Carter, y sigue la corriente.

http://www.youtube.com/watch?v=vN6LOlyqkp4&feature=related

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¿Dime qué cosa es amor?/, ¿de dónde y cómo proviene?/ ¿qué forma y figura tiene?,/ ¿qué tamaño, qué color¿.  Así pregun-cantaba La Señora Sentimiento¸ Elena Burke, allá por los años 70, en una canción que citaba nada más y nada menos que a Marco Tulio y Cicerón. Altas pretensiones para una mulata habanera cantante de un género conocido como feeling.

Las respuestas a estas interrogantes las proveyó Chico Buarque de Hollanda, al componer la música para un filme inspirado en un clásico de la literatura brasileña y latinoamericana en general, Doña Flor y sus dos Maridos, escrito por Jorge Amado. O qué será, que será, también titulada A Flor de Piel, describe de forma magistral el dilema que plantean tanto la novela como el filme, muy fiel a la obra literaria.

Ambos cuentan la increíble historia de una mujer que enviuda de un verdadero desastre de marido, vago, borracho, infiel y mujeriego; y logra casarse con un tranquilo, más bien soso, hombre de bien. Sin embargo, extraña tanto la pasión de su Vadinho, que termina siendo poseída por el fantasma de su ex que todas las noches se le aparece para hacerle el amor.

El argumento conlleva en sí todo el misticismo y la sensualidad típicas de la sociedad brasileña, y los transmite de una forma tan efectiva que se permea en la piel de los espectadores. A Flor de Piel se torna así en algo mucho más profundo.

Es toda una fiesta de los sentidos que arrastra a los espectadores, de la misma manera en que lo hace la canción con los oyentes. Tanto el filme como la melodía transpiran Brasil por todos sus poros, y constituyen de sí toda una lección de sociología enseñada de forma amena y ¿por qué no?, sabrosa.

La propuesta intelectual de estas dos obras se adentra en la dicotomía del balance existencial, dictada por la necesidad terrenal de contar con la seguridad de una vida decente y acomodada, y a la misma vez, la urgencia espiritual de sentir la pasión de la vida, amar y desear y sentirse también amado y deseado. Doña Flor lo resuelve de forma práctica y elegante, conservando al nuevo esposo vivo y al difunto amante a la misma vez.

Lo siento por Elena (no precisamente la de Troya), y los Grandes Antiguos (no precisamente de Lovecraft), pero la respuesta a sus preguntas se puede encontrar a simple vista, a flor de piel. Esta es la version original de la película, cantada por Simone. Sólo escuchen, y ustedes mismos se responderán.

http://www.youtube.com/watch?v=RPAHBlbS2kw&feature=related

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Se puede decir, sin temor a equivocarse, que ésta es una de las canciones “Rhythm and Blues” más emblemáticas y exitosas de todos los tiempos. Una intrincada armonía entrelazada por medio de todo tipo de efectos de sonido (wah- wah, pedales, reverberación), dentro del marco de una melodía típica de soul. Añádanle una poderosa voz de bajo, un compositor genial, y el resultado no puede ser otra cosa que una obra maestra: Tema de Shaft, por Isaac Hayes.

La película que inspiró esta música presentó por primera vez la imagen del detective negro como un héroe identificable para el gran público estadounidense, cruzando fronteras y barreras raciales de todo tipo. Fue de esa manera una especie de redención para escritores como Chester Himes, quien escribió en los años 40 historias de detectives negros que eran tan buenas como las de Chandler o Hammett, pero nunca recibió en su momento el reconocimiento que merecía, debido al color de su piel, por lo que emigró a Francia en los años 50.

Eso no le sucedió a Shaft, “el hombre complicado que nadie puede entender excepto su mujer”. Al igual que Phillip Marlowe, Sam Spade o Gravedigger (Sepulturero) Jones, uno de los personajes favoritos de Himes. Shaft fue creado por Ernest Tidyman, quien escribió una serie de novelas en torno a él, siguiendo el sendero de Himes. Tidyman, quien ya había ganado un Oscar por su adaptación de The French Connection (Contacto en Francia) a la pantalla de plata, también escribió el guion para la película.

Isaac Hayes ganó, entre otros, el Premio Oscar a la Mejor Canción Original; el Premio Golden Globe para la Mejor Banda Sonora, y el Premio Grammy a  la Mejor Partitura Escrita para una Película. En 2004, fue seleccionada en el puesto número 38 de la lista del American Film Institute de las mejores canciones para una película.  La canción viaja en un crescendo permanente, con todos los efectos, instrumentos y la voz, incorporándose en la melodía uno tras otro, enriqueciendo paso a paso la armonía.

Yo tengo un vínculo especial con esta canción, y esta película. Mi hermano y yo, eternos buscadores de la verdad oculta, construimos una antena clandestina para ver tv de Estados Unidos, una fruta prohibida en los tiempos del comunismo. Por coincidencia, o tal vez por los ocultos designios del destino, la primera película que fui capaz de ver completamente, sin interferencias, fue precisamente Shaft.

Desde que abrió la primera escena, me vi reflejado en el personaje. Ese era yo, recorriendo las calles del Vedado para marcar mi territorio.  En mi mente, incluso podía oler el viento de invierno de Nueva York a en una brisa de otoño en La Habana.

Vistiendo una vieja chaqueta de mezclilla y un afro gigantesco, imitaba los ademanes de Richard Roundtree para vivir mi propia fantasía de escape de una cruda realidad. En realidad era una personificación de un personaje pero aun así, fue una manera de crear contornos para una vida propia por medio de una ficticia.

Mirando esta escena hoy en día, me doy cuenta de que lo que sucedió en aquel entonces no fue una ficción o una coincidencia, sino una de las tantas ponderosas que forjaron mi carácter. El momento estaba escrito para mí, el Tigre de Santos Suarez, “el tipo que no se aparta cuando el peligro acecha”. ¿Pueden digerir esto?

http://www.youtube.com/watch?v=pFlsufZj9Fg

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Esta canción no es la única maravilla de este grupo, pero es sin lugar a dudas el éxito más impactante de la banda australiana The Motels. Grabaron varios discos y fueron aclamados por la crítica en los 8O’s pero, cuando se habla de esta banda, nadie apenas recuerda otra canción que no sea Only the Lonely (Sólo el Solitario).

Escrita por su principal vocalista, Martha Davis, la canción habla de un éxito vacío, el sentimiento contradictorio de ser capaz de alcanzar ciertas cosas en la vida pero al mismo tiempo seguir deseando otras que son más importantes para uno que las que ya poseemos.

Sí, Neil Diamond ya había hablado del mismo tema en I am I said, y Roy Orbison tiene una canción con el mismo nombre. Pero The Motels lo hicieron a su muy particular manera, de forma tal que crearon un clásico para su muy particular época.

De acuerdo a Davis, la canción “literalmente se escribió a sí misma”, y tal vez sea por eso que corre de esa manera tan natural. Posee una mezcla perfecta de canto, provisto por la poderosa voz de Martha, y una melodía que va inicialmente de cierto estilo de balada hasta llegar a algunos pasajes de puro rock duro.

La soledad es aquí solo una excusa para seguir sintiéndose bien con uno mismo. Dicho de manera simple, sin altas pretensiones intelectuales. La canción es específica, va al punto, y es directa. Refleja un período turbulento en la vida de quien la compuso. Es por ello que sólo ella, la solitaria, la puede cantar.

http://www.youtube.com/watch?v=ZaPTELylZ1s

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Una canción del carajo. Así de simple. Como es. Poderosa, inspiradora, se explica por sí misma. Esta no se anda con rodeos para establecer lo que quiere decir. La letra se expresa por medio de un lenguaje llano, y el uso de malas palabras no tiene en este caso un sentido obsceno sino que por el contrario, le acentúa la fortaleza del mensaje.

Es una canción muy lírica y filosófica, que contiene todos los elementos que, de cierta manera, definen ese extraño conglomerado de personas, sentimientos e intenciones conocido como Humanidad. El conflicto generacional; la búsqueda de uno mismo; la lucha por nuestro propio espacio y tiempo en la Historia; la relatividad (o lo absurdo) de la idea de la perfección; el verdadero sentido de la redención; la continuidad de la vida misma.

Lo que sea, todo está ahí. Y resulta muy sintomático que este mensaje sea trasmitido por alguien como Alecia Beth Moore (Pink), la ultra rebelde de nuestros tiempos. Las palabras de esta canción son lanzadas contra nosotros en su particular manera de cantar, restregándonoslas en el rostro, pero al mismo tiempo son enunciadas con tanta ternura que resultan imposibles de ignorar. Fuckin’ Perfect (Jodidamente Perfecta), no podría existir un título más apropiado para esta canción.

Una combinación perfecta de canción y cantante, una sinfonía de lo mundano, con orquesta incluida. Pink fue nombrada por la revista Billboard la mejor cantante pop de la década 2000 – 2010, y justamente para probarlo, catapultó Fuckin’ Perfect  al número uno de la lista de las mejores cien canciones de Billboard en enero de 2012. Actuación inmejorable.

Es cierto, el tema ha sido abordado muchas otras veces como en La Canción Lógica (The Logical Song) de Supertramp o Signos (Signs)por The Five Man Electrical Band, pero ciertamente, ninguno ha alcanzado este nivel de excelencia.

Sí, ella lo es. Y nosotros también. Jodidamente perfectos. No en la manera en que otra gente quiere que lo seamos, sino en nuestra propia jodida manera. ¿Y saben qué? Si no fuéramos así no seríamos nosotros.  Así que sientan orgullo. Díganlo bien alto.

http://www.youtube.com/watch?v=2sRM39rHoB8

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El nombre lo dice todo: Iron Butterfly (Mariposa de Hierro). Fuerza, belleza y finura. Este grupo en realidad no necesitaba nada más para anunciar el propósito para el que fue concebido. Lidereado por su organista y vocalista principal, Doug Ingle, los Iron Butterfly crearon el clásico In a Gadda da Vida debido a, parafraseando a Limony Snickets, Una Serie de Eventos Afortunados.

Se suponía que el título de la canción fuera In the Garden of Even (En el Jardín del Edén), pero Ingle, quien la escribió, estaba tan borracho en el momento en que se le preguntó el título, que sólo logró balbucear la frase que en realidad le dio a la canción el toque sicodélico final, en un tiempo en que los Beatles fueron a la India para su Magical Mistery Tour (Viaje Mágico y Misterioso).

Pero no se equivoquen; aquí no hay concesiones comerciales. La versión original, incluida en el LP junto a la corta, dura 17 minutes y 4 segundos, e incluye una gran cantidad de efectos sonoros como el bramido de elefantes y el silbido de flautas orientales, para acentuar la atmósfera de misticismo.

El padre de Ingle era un organista de iglesia, y es por ello que la canción tiene esta clase de sonido místico proveniente de la manera en que suena el órgano. Se vieron forzados a despedir a su guitarra prima y contrataron a Erik Braun, un genio musical de 17 años de edad, quien había estado tocando la guitarra por sólo ¡tres meses! antes de grabar la pieza. Escúchenlo, para que se den cuenta que clase de golpe de suerte fue encontrarse con este guitarrista.

In a Gadda da Vida fue seleccionada en el número 24 de la lista de VH1 de las más grandes canciones de hard rock de todos los tiempos, y es reconocida como la primera canción de heavy metal, antes de Born to be Wild de los Steppenwolf, o el propio Jimi Hendrix.  Todo comenzó con ellos. Todo lo que después fue llamado underground, hard rock, o heavy metal.

Para mí, un adolescente loco “no bien alimentado, de pelo largo, sin dirección alguna”, parafraseando ahora a Eric Burdon en otro clásico del mismo género, esta canción era la imagen por excelencia de lo que significaba ser sicódelico, una puerta a una realidad brillante y colorida más allá de la grisura del comunismo.

Por eso, cometí el grave delito, ante los ojos de mi madre, de cambiar las Obras Completas de Arthur Conan Doyle, edición papel Biblia, encuadernada en piel, por un LP nuevo de paquete de In a Gadda da Vida. Quizás para mi amigo Federico el Mexicano haya sido un negocio redondo pero, ¿Qué coño sabía él lo que era la calle en aquel entonces?

En 1968, con una Mariposa de Hierro debajo del brazo, yo era el rey de la pista, el tipo más suave del barrio. Incluso aunque no pudiera bailar en las fiestas clandestinas de rock de aquellos tiempos, porque tenía que vigilar el disco mientras se tocaba, puesto que era una posesión altamente valiosa.

La fama tiene un precio, aprendí de la mejor manera posible en los felices 60.

http://www.youtube.com/watch?v=Xv1k4Dug7_8

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“El día para ustedes, la noche para mí, esa inflexible noche que hace pardos a todos los gatos e iguala todas las honestidades”. Estas palabras de un personaje de Robert Louis Stevenson describen de forma bien gráfica la eterna confrontación entre la luz y las sombras, así como su antropológica asociación con el bien y el mal.

Esta visión está tan enraizada en el universo referencial del ser humano, que es compartida por casi todas las religiones o cosmogonías de los tiempos antiguos. Ra, Apolo, Inti y hasta el propio Jesucristo, son representaciones del sol o la luz, mientras que sus enemigos, las fuerzas del mal, son siempre asociados a la oscuridad.

En la cosmogonía china, la representación del universo, el Ying y el Yang, son dos campos contrapuestos dentro de un círculo, uno de ellos amarillo (el sol) representando el bien, y otro negro (la sombra), representando el mal.

La misma dualidad de dos partes antagónicas conviviendo en un mismo cuerpo aparece en El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de donde proviene la cita que introduce estas líneas. Ni siquiera escapan a este maleficio el mundo de las historietas, con un Batman que precisamente por vivir en las sombras alberga dentro de sí la voluntad de hacer justicia en contraposición a un violento deseo de venganza.

La canción de hoy un poco que se mofa de todos estos temas trascendentales, utilizando un lenguaje burlesco para mostrar el absurdo de la cotidianeidad cuando se vive bajo dictaduras, un método empleado por Bulgakov en El Maestro y Margarita.

Su autor, Frank Delgado, es por esos azares del castrismo un trovador digamos un poco tardío puesto que debido a su vocación de incursionar en el blues, fue relegado en la Cuba de los años 70 del tan pomposamente llamado Movimiento de la Nueva Trova. Un discípulo de Cab Calloway no encajaba en la mística de los campos forzados de corte de caña como paradigma del esfuerzo “revolucionario”.

Sin embargo, Frank esperó, y en otra alusión mitológica, renació como de sus cenizas como el Ave Fénix. Sus satíricas baladas pop/rock /blues encontraron una audiencia renovada con el paso a un nuevo siglo, y gracias al tiempo pudo ver pasar desde su tienda no ya el cadáver de sus enemigos, pero sí el de una trova tan vieja como sus alabarderos de siempre.

La canción de hoy viene como anillo al dedo, teniendo en cuenta que la noticia de las últimas horas es el inmenso apagón que dejó a oscuras a más de la mitad de la Isla de Cuba. Nada nuevo, que conste, sólo una analogía válida para un gobierno que ha funcionado siempre, en todo sentido, en las sombras.

¿Qué se hace en estos casos? Frank tiene algunas sugerencias, entre ellas cantar un blues antes que vuelva la luz, y otras un poco más concretas. ¿Noche o día? Decida usted.

http://www.youtube.com/watch?v=8BjogjYDfIU&feature=related

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