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Archive for 28 noviembre 2012


De estar vivo, Johnny Allen Hendrix tendría ahora 70 años. Nació un día como ayer, 27 de noviembre. Proveniente de una familia desgarrada por el alcohol, las drogas y la violencia doméstica, Jimmy pasó toda su vida tratando de encontrar una identidad para sí mismo, un sentido para una vida que parecía no encajar en ninguna parte.

A los 8 años tuvo problemas en la escuela por romper varias escobas al pretender tocarlas como guitarra, y a los 15 su padre le regaló la primera guitarra eléctrica. Aprendió por sí mismo, siguiendo a Elvis Presley y Chuck Berry en la radio, y fue el primero en experimentar con solos prolongados de efectos como el wah wah y el footback. Tocaba la guitarra de espaldas y con los dientes, más que como un instrumento como quien empuña un arma, en una encarnación de esa famosa imagen de Lennon “la felicidad es un arma caliente”. Tocaba para existir.

De hecho, nunca encajó. Al nacer su nombre fue cambiado a James Marshall Hendrix porque su madre no podía localizar a su padre, y decidió finalmente hacer uso de su prerrogativa materna. Esto parece haber marcado la vida del mejor guitarrista de todos los tiempos con un Karma insuperable, puesto que su infancia transcurrió entre orfanatos y hogares sustitutos, e innumerables cambios de nombre durante su carrera.

El último de ellos ocurrió en 1966, cuando Ches Chandler, el ex bajista de The Animals, se lo llevó a Londres para relanzar su carrera con una imagen fresca. Hendrix había deambulado artísticamente detrás de famosos como los Isley Brothers, Little Richard y Ike and Tina Turner, pero no podía establecer su identidad musical por ser una rareza dentro de la música norteamericana, un negro que tocaba rock duro, pesado y experimental.

Chandler tuvo la idea de rehacerlo viniendo de Europa, y le sugirió cambiar el Jimmy por Jimi, para hacerlo más exótico. El resultado fue sorprendente, y gracias a la agudeza de un británico surgió el que es posiblemente el fenómeno musical más importante de los Estados Unidos. El nuevo grupo Jimi Hendrix and The Experience impactó de forma contundente la escena musical europea, al punto de hacer exclamar a Paul Mc Cartney cuando lo vio abrir un espectáculo en el famoso teatro Saville Row de Londres en 1967: “He visto el futuro del Rock and Roll, su nombre es Jimi Hendrix”.

Palabras proféticas. A pesar de que su carrera como solista duró apenas 4 años, Jimi Hendrix marcó como nadie no sólo el mundo del rock and roll, sino la música moderna en general no sólo en los Estados Unidos sino en todo el mundo, a punto de que sus tres álbums de estudio, Are You Experienced; Axis: Bold as Love; y Electric Ladyland, aparecen entre los 100 mejores discos de todos los tiempos de la prestigiosa revista Rolling Stone. Esta publicación icónica coloca a Hendrix en el número uno de su lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, y número 6 en su lista de los más grandes artistas de todos los tiempos.

Mucho se podría escribir y hablar de un hombre como Hendrix, una personalidad compleja pero a la misma vez lleno de ternura y temor a la vida. Solía esconderse en los closets durante las peleas entre sus padres, y de mayor buscó refugio entonces en las drogas y la música. Por encima de todo, un genio musical sin precedentes.

Mi recuerdo de Hendrix data de mis peripecias con la televisión norteamericana dentro de Cuba. En una fecha que no recuerdo ni quiero consultar, tuve la oportunidad de verlo en el show de Dick Cavett cuando, ante la pregunta del animador sobre qué sabía de Mozart, Bethoven o Chopin, respondió, sin inmutarse y con ese aire de niño tímido que siempre fue, lo siguiente: “Nosotros vamos a donde ellos mismos fueron, por caminos que ellos ni siquiera imaginaron que existían”

Esas cortas líneas pueden servir muy bien como su autobiografía musical. Como botón de muestra de la veracidad de sus palabras, los dejo con esta pieza antológica, una canción folklórica de Bob Dylan convertida en ícono del rock pesado, número dos en la lista de las mejores canciones de rock and roll de todos los tiempos del canal de tv VH1: A lo largo de la Atalaya (All Along the Watchtower). Ahí está Jimi, contemplando el futuro que él mismo creó hace medio siglo.

Nació ayer, pero sigue viviendo hoy. Puesto que tocaba para existir, renace cada vez que alguien lo toca.

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Esta canción es una profecía. Billy Joel la escribió como un homenaje de su padre a su madre. Según él, es la canción que su padre debió haberle escrito a ella. Hijo de padres divorciados, el Piano Man arrastró por mucho tiempo ese deseo por tener una familia perfecta, hasta que exorcizó sus demonios escribiendo esta canción.

Escogió para ello lo que era, de acuerdo a su experiencia, el escenario ideal. Sus padres, Harold y Rosalind, judíos alemanes que sobrevivieron la terrible experiencia de Dachau, emigraron a los Estados Unidos pasando por Cuba, y Billy quiso inmortalizar esa época feliz de la pareja, sobrevivientes de un campo de concentración y mirando hacia el futuro, unidos como nunca en La Habana.

Así que convirtió a su madre en Rosalinda, y a sus ojos en la promesa de retorno a un lugar que simplemente, ya no existe. Todo un dilema existencial. El tono de la canción es fiel reflejo de las circunstancias en las que fue concebida, con su aire de alegría despreocupada y sus influencias de contradanza cubana, una tendencia que Billy Joel finalmente convirtió en toda una canción en Don’t ask me why.

“Señorita, no se sienta sola, pronto llegaré / Oh, Havana, Te he estado buscando por todas partes / Aunque nunca estaré allí, sé lo que puedo ver allí / Siempre puedo encontrar mis cielos cubanos en los ojos de Rosalinda”. La idea del retorno a un lugar que en realidad no es físico sino espiritual, por medio de recrear un universo sentimental que no pudo ser, está presente en estos versos.

Esta canción se convirtió en una profecía porque curiosamente, seis meses después de ser lanzada, Billy Joel fue a Cuba en 1979 junto a Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Billy Swan, Weather Report y otros íconos del rock norteamericano, para actuar en un festival conocido como Descarga en La Habana (Havana Jam).

Debut y despedida, puesto que la experiencia jamás se repitió, debido a que el régimen palpó y temió el poder del Rock and Roll. Pero Billy Joel vivió por unos momentos su sueño hecho realidad, al cantar Los Ojos de Rosalinda (Rosalinda’s Eyes) bajo el cielo de La Habana. El cielo y los ojos se juntaron por una noche.

Dice un viejo adagio que hay que tener cuidado con lo que se desea, porque puede convertirse en realidad. Yo también encontré mis cielos cubanos en los ojos verdes de una muchacha, quien se empeñó en decirme que mi vida no estará completa hasta que no regrese a La Habana.

Supongo que éste es en cierto sentido el Karma de un exiliado, andar siempre buscando paisajes de la memoria en tierras y rostros ajenos, como quien intenta recrear un paraíso en la sombra. Yo también tendré que volver y visitar las tumbas de mi padre y mi madre, no para revivir un sueño, sino para completar un destino.

Tengo que regresar antes que el fuego muera. Es la única forma de juntar mis ojos con mi cielo.

http://www.youtube.com/watch?v=HNfT3ExqXLo

Billy Joel 52nd Street- 06- Rosalinda’s Eyes

http://www.youtube.com

This is the sixth track on Billy Joel’s first #1 album, 52nd Street, released in 1978. This song was not on an A-side or B-side of a single. Lyrics: I play n…

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El viento como depositario de todas las historias, el camino invisible que recoge todas las experiencias pasadas y a la misma vez trasmitirá todas las futuras. Un interminable camino a la libertad.

 Una idea expresada como nadie por el poeta cubano Lezama Lima en su inolvidable poema Ah, que tú escapes, cuando dice “porque el viento, el viento gracioso / se extiende como un gato para dejarse definir”.

Sí, el viento puede ser cómplice pero también juez, el eterno vigilante de todos los deseos. Pregúntenles a Jimi Hendrix y su clásico El Viento Grita María. Su respuesta vendrá en forma de pregunta: “Recordará el viento los nombres de quienes sopló en el pasado?”

Disfrazada dentro de la historia de un proscrito huyendo por su vida, esta canción también cubre esta metáfora, usando un ritmo acelerado y una letra cantada a alta velocidad, para señalar una imagen que se repite a través de la poesía, la pintura, la música y todas las expresiones artísticas. Cabalgar como el Viento( Ride Like the Wind)¸ “para ser libre otra vez”.

Esta fue la canción debut de Christopher Cross, y se puede afirmar a todas luces que entró por la puerta ancha. Para la segunda voz contó con Michael Mc Donald de los Doobie Brothers, y su primer álbum, Christopher Cross, ganó la friolera de 5 Premios Grammy.

Cris Cross tiene la respuesta para Hendrix. Su nombre, y también el de Jimi, siempre serán recordados y soplados por el viento. Y también los nuestros, al igual que los recuerdos de nuestras vidas pasadas y presentes, si es que creen en la reencarnación. Yo solía escuchar esta canción en La Habana y siempre conseguía dotarme de un sentimiento de libertad inalcanzable, me convertía en “intocable” cuando la escuchaba en mi viejo radio alemán en sintonía semiclandestina con WGBS de Miami, FL.

Todavía siento lo mismo cada vez que la escucho otra vez. ¿Reencarnación? Yo ceo que uno puede vivir muchas vidas durante una sola existencia, simplemente manteniéndose fiel a uno mismo. O quizás, como diría Dylan, El Bob, “la respuesta, mi amigo, está soplando en el viento”. Pase lo que pase, sigue cantando tu propia tonada.

http://www.youtube.com/watch?v=HNOn6enPC7U

christopher cross – ride like the wind
christopher cross – ride like the wind

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Mucho antes que Una Vela en el Viento (Candle in the Wind), asociada tanto a Marilyn Monroe como a Lady Diana, existieron Velas en la Lluvia, asociadas a otro tipo de dama, la cantante de rock y música

folklórica americana, Melanie.

Cuando le tocó el turno de actuar en Woodstock estaba cayendo un fuerte aguacero, pero eso no la intimidó. Pensó que dadas las circunstancias era apropiado comenzar con una canción llamada Mira lo que han Hecho con mi Canción, Mamá (Look what they have done to my song, Ma), y entonces la multitud respondió encendiendo velas y fosforeras para mostrar que todo estaba bien, que todo brillaba.

Y así fue. Melanie se emocionó tanto con la vista de las velas contra la noche y la lluvia, que de inmediato tras terminar su actuación comenzó a escribir una canción, cuyo título le vino de forma natural: Velas en la Lluvia (Candles in the Rain). Concibió la canción como un himno espiritual, un elogio a la voluntad humana de sobreponerse a cualquier adversidad para alcanzar un objetivo común.

Debido a la naturaleza de la canción, escogió a los Edwin Hawkins Singers, uno de los conocidos grupos de música góspel de aquel entonces, para que cantaran el coro de la grabación. Ellos habían tenido ya un gran éxito con su canción religiosa Oh, Días Felices (Oh, Happy Days), la cual está incluida en la lista Canciones del Siglo, un proyecto del Fondo Nacional de las Artes para “promover un mejor entendimiento de la herencia musical y cultural norteamericana” en las escuelas de los Estados Unidos.

Velas en la Lluvia se convirtió en la canción emblema de Melanie, quien tiene otros éxitos antes y después de éste, tales como el mencionado anteriormente, y canciones como Gente Bella (Beautiful People) o Una Llave Nuevecita (Brand New Key), la cual fue prohibida en varias estaciones de radio por ciertas implicaciones sexuales en su letra.

Eso era parte de la personalidad de Melanie. Es una librepensadora, lo que la llevó a crear su propia casa disquera junto a su esposo porque no quería escribir canciones por encargo para Buddha Records, la disquera de muchos de los cantantes folklóricos de su época. Se define a sí misma como Libertaria, no Demócrata, Republicana o Socialista. Eso me gusta.

Cualquier cosa que sea, nos ha dejado una de las mejores canciones inspiradoras de la música rock, plena de imágenes de verdadero amor y entendimiento. Para describir la cercanía entre dos personas, simplemente dice: “Estábamos tan cerca, que no había espacio entre nosotros, sangrábamos de las heridas de cada uno”. Para ilustrar la idea de sostener tu verdad contra la adversidad, dice: “Así que sostén tu vela bien alto, porque si no lo haces podríamos quedarnos a oscuras contra la noche”.

Ella canta esta canción con un extraño compendio de voz tierna y cruda, llegando a notas bien altas en el coro para enfatizar la verdadera batalla de cualquier ser humano, la cual ocurre en el interior de cada uno de nosotros.

Miren lo que hicieron con su canción, aquella gente en Woodstock. La convirtieron en un clásico.

http://www.youtube.com/watch?v=tgrCtZKkgqI&feature=related

Melanie – Lay Down (Candles in the Rain)
A Spadecaller Video. LYRICS: Lay down, lay down, lay it all down Let your white birds smile up At the ones who stand and

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“El hombre es un mendigo cuando piensa y un Dios cuando sueña”. Este concepto del poeta alemán Friedrich Holderlin se ha repetido y reformulado tantas veces, que ha llegado a alcanzar la estatura de un postulado.

La definición del espíritu humano por medio de su capacidad de soñar, expresado en su posibilidad de trascender lo inmediato y proyectarse a eventos que ni siquiera han sucedido, es lo que distingue a la especie humana de otros seres vivientes. Este es el signo y eje del pensamiento y hasta de la evolución, el arte de imaginar lo posible para convertirlo en realidad.

– “La vida es sueño”. Calderón de la Barca
– “Hay gente que ve las cosas tal y como son y se preguntan ¿por qué? Yo sueño con cosas que jamás han sido y me pregunto ¿por qué no? Robert Kennedy
– “Dormir, tal vez soñar”. Shakespeare

Desde todos los géneros artísticos y tras la lupa de cualquier perspectiva, el soñar siempre ha estado asociado con el impulso de trascendencia que anima a nuestra especie. No existe ser humano que no tenga sus propios sueños.

Por supuesto que el tema abunda en la música, pero nadie lo ha expresado con tanta fuerza y eaxctitud como Aerosmith, en ese clásico conocido como Continúa Soñando (Dream On). La manera en que la canción fue concebida busca precisamente proyectar la idea de soñar no como una actitud pasiva, sino como el trazado de una meta a la que cual se enrumba el individuo a cualquier costo.

Steven Tyler entrega en esta canción su mejor actuación vocal, transmitiendo una energía contagiosa que sobrepasa el marco de la melodía para impregnarse en el subconsciente de quien la escucha. Sus gritos de “Continúa Soñando, Continúa Soñando, Continúa Soñando Hasta que Tu Sueño se Convierta en Realidad” son, más que un alarde de vocalismo, un llamado al despertar de la conciencia.

Por supuesto que no todo es color de rosa. Existen las pesadillas, esos delirios oníricos que parecen ahogarnos con sus interminables laberintos. Pero. . . ¿cuál es la diferencia fundamental entre una pesadilla y un sueño?

Las pesadillas quedan atrás, mueren al despertar. Los sueños nos impulsan a seguir adelante y cuando los alcanzamos, se multiplican al abrir nuevas puertas hacia otros sueños.

Hasta que éstos nuevos se convierten en realidad, y así sucesivamente.

Nada ni nadie puede detener mis sueños

http://www.youtube.com/watch?v=txlXcJDtDwM

Dream On – Aerosmith
Dream On by Aerosmith Lyrics : Everytime that I look in the mirror All these lines on my face gettin clearer The past is gone It went by like dust to dawn Is…

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Ahora que estamos de estreno con James Bond, y con música de Adele, es bueno recordar el que a mi juicio, es hasta ahora el mejor de sus temas musicales, cantado nada más y nada menos que por el Tigre de Liverpool.

Operación Trueno (Thunderball) fue la cuarta película de la serie, a pesar de ser la segunda novela del escritor Ian Fleming, sobre esta intrincada personalidad mezcla de playboy, agente secreto y hombre angustiado por dudas existenciales. Llámenme nostálgico o lo que quieran, pero nadie ha interpretado a este complejo personaje como Sean Connery.

La banda sonora del filme tuvo múltiples encontronazos, al punto de no estar completa para el estreno. La canción tema fue encargada al afamado compositor John Barry, quien había escrito la música de una parodia sobre Bond, Kiss Kiss Bang Bang, magistralmente intepretada por Giulano Gemma en el papel de Kirk Warren, el agente OO6 ½.

Después de dios intentos fallidos, uno con Shirley Bassey y otro con Dionne Warwick, la canción tema cayó finalmente en las manos, o mejor dicho, la voz, de Tom Jones, quien entregó una interpretación de leyenda, al punto de caer desmayado en el estudio tras emitir la nota extremadamente alta conque termina la canción.

Así que de una parodia llegó un clásico y paradójicamente, la nueva canción tema de la última película de Bond, Caída del Cielo (Skyfall), es simplemente una especie de parodia del tema de Operación Trueno. Al igual que su antecesora, la base melódica de esta canción son los acordes del tema general de todas las películas de Bond, y hasta en el título se parecen.

Para ambos temas fueron escogidos los más famosos cantantes ingleses del momento, Tom Jones y Adelle respectivamente. Caída del Cielo cuenta con el mismo tono dramático de su predecesora, con la única diferencia de que se canta en un tono más bajo y con un ritmo más lento, más acorde con la tesitura de voz de su intérprete.

Siempre resulta curioso cómo una visión retrospectiva nos puede arrojar nueva luz sobre eventos  casi olvidados en nuestra memoria. Yo fui a ver Kiss Kiss Bang Bang con mi amigo El Molécula en el más imprevisto de los escenarios, el cine Aguila de Oro  en el barrio chino de La Habana, una noche verdaderamente inolvidable porque antes del estreno, tuvimos que sufrir una película china en versión original, sin subtítulos, en una sala que olía a sopa china y salsa de soya.

Resistimos estoicamente. Nuestro James Bond nos llegó parodiado por la censura del comunismo, pero lo disfrutamos igual, porque lo nuestro era ser capaces por un par de horas de escapar de la realidad y crear nuestro propio universo. Cuando vi al verdadero Bond en Sólo se Vive dos Veces  gracias a mi antena clandestina para captar tv norteamericana, ya tenía un anticipo de lo que podía esperar, gracias a Giulano Gemma.

Pero después de todo, prefiero el original. Así mismo me pasa al escoger entre Daniel Craig y Sir Sean Connery, o entre los temas de Operación Trueno y Caída del Cielo. Si de caídas se trata, prefiero el desmayo del Tigre antes que la tranquilidad de Adele.

Thunderball: http://www.youtube.com/watch?v=xLYW2UgSJq8

Skyfall: http://www.youtube.com/watch?v=DeumyOzKqgI

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Considerando que hoy tendremos un eclipse total de sol, nada más apropiado que esta canción, la cual encaja perfectamente como una mano en un guante.

Lanzada en 1983, ha sido el éxito más grande

de Bonnie Tyler, cantante de Gales famosa por la peculiaridad de su voz rasgada. Esta canción la elevó a la categoría de ícono del rock.
Eclipse Total del Corazón alcanzó el número uno en los Estados, Canadá, Australia, por supuesto Gales, y convirtió a Tyler en la primera cantante galesa en llegar al número uno en el Reino Unido. Fue también la primera mujer galesa en alcanzar el mismo puesto cimero en la lista de los 100 números de la prestigiosa revista Billboard, y además la primera cantante femenina de gales en ocupar el número uno en las listas de los Estados Unidos.

Para los que se preguntan cómo Bonnie Tyler consiguió esa voz rasgada, la explicación puede ser simple y a la vez compleja. Tras años de cantar en clubes nocturnos de Gales, desarrolló unos nódulos en su garganta que requirieron una intervención quirúrgica. Los médicos le recomendaron silencio absoluto por seis semanas para acelerar el proceso de saneamiento, pero la frustración de tantos días sin hablar la hizo gritar accidentalmente un día, lo que cambió su voz a esa tonalidad casi ríspida.

Al principio creyó que su carrera estaba arruinada pero para su sorpresa, su próxima canción, Es un Dolor en el Corazón (It’s a Heartache) la convirtió en una estrella internacional, debido principalmente al tono rasgado de su voz, el cual le recordó a muchos a la desaparecida Janis Joplin.

Algunos críticos han clasificado Eclipse Total del Corazón como una balada poderosa. Creo que es una buena manera de describir esta melodía, la cual para mí es la mejor descripción de un estado mental neurótico, causado por un desengaño amoroso.

La canción comienza en un tono muy bajo, y va subiendo a medida que progresa, alcanzando en un punto el nivel de la desesperación, cuando grita “¡de verdad te necesito esta noche, el por siempre va a comenzar esta noche!” (I really need you tonight, forever is gonna start tonight!).

El símil entre las sombras y la soledad, usado muchas veces en todas las culturas como el caso de la bolerista cubana Blanca Rosa Gil (Cuando tú te hayas ido, me envolverán las sombras), alcanza aquí un nuevo sentido de fatalismo. “Tu amor es como una sombra que pesa sobre mí todo el tiempo” (Your love is like a shadow on me all the time).

A pesar de toda la oscuridad y la desesperación, es una canción muy poderosa. Termina con un grito casi inaudible, cuando el personaje que interpreta la cantante (porque esta canción es toda una historia en sí misma), se encuentra totalmente exhausta de batallar con sus sentimientos y su orgullo, clamando por amor y afecto.

Sólo dos sugerencias. La primera, nunca clamen por amor y afecto. El amor verdadero es siempre natural, así que, si se necesita pedir, entonces es otra cosa.

La segunda, más importante. No toquen esta canción hoy a las 3:35 pm. Pudiera ser una combinación letal y quizás no puedan distinguir la validez de la primera, debido a la oscuridad creada por los eclipses juntos: el del corazón y el del sol. Cuídense de la soledad y la oscuridad. Simple pero a la misma vez complicado.

http://www.youtube.com/watch?v=dpC81-SJcvo

Bonnie Tyler – Total Eclipse of the Heart (video oficial)
una buana balada el video tiene buena calidad espero les guste

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